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Rock and Roll

Muchos se preguntan dónde nace el rock and roll, cual es su significado? Pues aquí le vamos aclarar un poco estas interrogantes sobre este gran género musical. Para comenzar debemos saber que el rock es un término que agrupa de un modo general el conjunto de corrientes musicales que surgieron a mediados del siglo XX en los Estados Unidos. Al pasar el tiempo ha perdido su éxito que tuvo en sus inicios, el cual lo transformo en un lenguaje universal, sometido a diversos cambios de forma continua.

Estos cambios fueron necesarios para que este género no perdiera su prestigio y por ende se fue fusionando con la música folklórica de los estados unidos (blues, country, y western). En este momento el rock and roll comienza a escucharse de una forma distinta y comienza a tener el mismo auge que obtuvo en sus inicios. Uno de sus precursores fue el gran Elvis presley en la década de los 50. Obtuvo una gran popularidad a nivel mundial desde su origen, los principales instrumentos utilizados son la guitarra, contrabajo, la batería y el piano.

Alrededor de los años 60 el bum de este género fu asombroso, su evolución se expreso atreves de bandas, ritmos y de estilos que lo convirtió en un fenómeno cultural y musical que se extendió alrededor del mundo. Su gran popularidad sirvió para que muchos músicos pudiesen expresarse y llagar a difundirse en medios locales y nacionales, e incluso internacional.

A finales de esa década de los 60, tuvo un decaimiento y deja de ser el ritmo que representa a los jóvenes en los 50. Dando paso así ala música que hoy en día conocemos como rock o música rock.

Durante sus inicios y en el estado menos evolucionado, el rock and roll fue un estilo de música sin ninguna influencia blanca, que se sirvió de las nuevas técnicas de amplificación de guitarra para comenzar a darle el rol fundamental que lo caracteriza el resto del siglo. Aparte de la guitarra, la batería y el piano fueron elementos igualmente fundamentales.

Como se indico anteriormente la progresión del rock and roll fue originaria del blues, con las modificaciones realizada incluía arreglos y voces para secciones de metal y coros. La improvisación también juega un papel importante dentro del género, utilizando la escala pentatónica con un par de alteraciones.

 

 

 
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Publicado por en septiembre 15, 2011 en Uncategorized

 

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La danza y sus generos

La danza o baile como muchos le dicen, es la acción o manera de bailar. Se trata de la ejecución de movimientos al ritmo de la música que permite expresar sentimientos y emociones. Se estima que la danza fue una de las primeras manifestaciones artísticas de la historia de la humanidad.

La danza implica la interacción de diversos elementos. El movimiento del cuerpo requiere de un adecuado manejo del espacio y de nociones rítmicas. La intención del bailarín es que sus movimientos acompañen a la música. Por ejemplo: una música de ritmo lento y tranquilo requiere de pasos de danza pausados y poco estridentes. La expresión corporal también se apoya en la vestimenta utilizada durante la danza.

Es importante tener en cuenta que el predominio del ritmo o del uso del espacio puede variar de acuerdo a la danza en cuestión. Otros factores que exceden a la danza en sí, como la mímica y el canto, también forman parte del baile.

Se conoce como coreografía a una estructura de movimientos predeterminados que se lleva a cabo a la hora de ciertas danzas. La coreografía indica los pasos a seguir durante el baile: se trata, por lo tanto, de movimientos que no son espontáneos, sino que obedecen al diseño de un coreógrafo.

Las coreografías adquieren mayor relevancia en los espectáculos de danza donde bailarines profesionales suben a un escenario con la intención de montar una obra artística. Las danzas rituales o los bailes informales, en cambio, no suelen seguir ningún tipo de coreografía. En estos casos, cada bailarín elige con total libertad los pasos a seguir.

La danza o baile se divide en dos grandes géneros:

Clásicos: son aquellos que pueden ser apreciados por la gran mayoría del público y pertenecen a la cultura popular.

· Baile de salón: es aquel donde una pareja baila de forma coordinada siguiendo el ritmo de la música.

· Bailes folklóricos: es aquel donde un grupo de persona realizan algún baile en homenaje o tributo a algo en especial, bien sea religioso, o tradicional.

· Danza medieval:, barroca, renacentista: se denominan como danzas antiguas, donde se realizan movimientos del cuerpo acorde a la música.

· Patinaje artístico sobre hielo: consiste en interpretar alguna música de cualquier genero sobre una superficie de hielo, realizando diversos movimientos.

· Ballet: es el nombre dado a la danza y sus técnicas, quedando como una de las danzas clásicas mas utilizadas por las bailarinas.

· Ballet de las cintas: es un baile tradicional de varios pueblos a nivel mundial que se utilizar generalmente en carnaval

Modernos: son bailes más actuales que los clásicos y pueden ser apreciados por todo el público y va a variar dependiendo de su género moderno.

· Rock and rol

· Pop

· Rock

· Salsa

· Tango

· Hip hop

· Breackdance

· Danza árabe.

 
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Publicado por en septiembre 14, 2011 en Uncategorized

 

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Elementos de un fenómeno artístico.

Para la realización de una obra de arte, se necesita de ciertos elementos fundamentales, actualmente se clasifican más reducidamente dichos elementos, los cuales son: el artista, la obra de arte que desempeñara, el púbico, la percepción que se tenga de la obra entre otros pero hoy daremos énfasis a los que sin duda son considerados los más importantes, (el artista y la obra de arte) los cuales los presentaremos a continuación:

El artista: se denomina artista a aquella persona que, o bien practica un arte, o bien destaca en él. Un artista es quien elabora una obra de arte, en épocas pasadas un artista era cualquier persona que trabajase en las artes liberales o vulgares, desde un gramático, un astrónomo o un músico, hasta un albañil, un alfarero o un ebanista. Sin embargo, hoy día se entiende por artista a alguien que practica las bellas artes. Aún así, el término artista puede tener diversas acepciones, desde el artista como creador, hasta el artista como el que tiene en la práctica de un arte su profesión. Así, a menudo llamamos artistas a actores o músicos que sólo interpretan obras creadas por otros autores. También se suele emplear el vocablo artista para diferenciar a quien practica una actividad liberal para distinguirlo del que práctica un oficio: en ese sentido, se suele decir “pintor artista” para diferenciarlo de otras clases de pintores (pintor de brocha gorda). Al artista se le supone una disposición especialmente sensible frente al mundo que lo rodea: ha desarrollado su propio punto de vista, así como su creatividad, una buena técnica y un medio de comunicación hacia el espectador por medio de sus obras. El artista adquiere su propio dominio de la técnica y su desarrollo artístico intelectual para llegar al camino del profesionalismo. Con esta personalidad, el artista se manifiesta hacia el mundo tratando de reflejar lo que acontece (o le gustaría que aconteciera) en él.

La obra de arte: es una realización material, que tiene una existencia objetiva y que es perceptible sensiblemente. Una obra de arte puede ser tanto el objeto material en sí (una pintura, una escultura, un grabado) como una producción intelectual donde la artisticidad se encuentra en el momento de su ejecución o captación por medio de los sentidos: así, en la literatura, el arte se encuentra más en la lectura de la obra que no en el lenguaje escrito que le sirve de vehículo de comunicación, o en el medio material (libro, revista) que le sirva de soporte; en música, el arte se encuentra en su percepción auditiva, no en la partitura en que se ve reflejada. Así, en el arte conceptual se valora más la concepción de la obra de arte por parte del artista que no su realización material. En ese sentido, una obra de arte puede tener varios niveles de elaboración.

Decía Panofsky que, al escribir una carta, se cumple básicamente el objetivo de comunicarse; pero si se escribe poniendo especial atención en la caligrafía, puede tener un sentido artístico valorabley si, además, se escribe en un tono poético o literario, la carta trasciende su sustrato material para convertirse en una obra de arte valorable por sus cualidades intrínsecas. Por otro lado, hay que valorar la percepción del receptor: un objeto puede no estar elaborado con finalidades artísticas pero ser interpretado así por la persona que lo percibe. Igualmente, una obra de arte puede tener diversas interpretaciones según la persona que lo valore, como remarcó Umberto Eco con su concepto de “obra abierta”. Y una misma obra puede ser percibida como artística por unos y como no artística por otros: decía Marcel Mauss que es obra de arte el objeto que es reconocido como tal por un grupo social definido. Así, habría que reconocer que una obra de arte es un objeto que tiene un valor añadido, sea este valor un concepto artístico, estético, cultural, sociológico o de diversa índole. En conclusión, se podría decir que una obra de arte es un hecho sensorial, realizado artificialmente, con intencionalidad comunicativa y orientación lúdica. La obra de arte, para ser considerada como tal, debe trascender de lo material para adquirir una significación importante, basada tanto en su aspecto estético como en el histórico.

 
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Publicado por en septiembre 9, 2011 en Uncategorized

 

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La Artesanía.

Se refiere tanto al trabajo del artesano (normalmente realizado de forma manual por una persona sin el auxilio de maquinaria o automatizaciones), como al objeto o producto obtenido en el que cada pieza es distinta a las demás. La artesanía como actividad material se suele diferenciar del trabajo en serie o industrial.

Para muchas personas, la artesanía es un término medio entre el diseño y el arte. Para otros es una continuación de los oficios tradicionales, en los que la estética tiene un papel destacado pero el sentido práctico del objeto elaborado es también importante.

También quedan algunos artesanos que se dedican a los llamados «oficios tradicionales», pero cada vez son menos.

Uno de los principales problemas de la artesanía es la competencia con los productos procedentes de procesos industriales de bajo coste, con apariencia similar a los productos artesanos, pero con menor precio y calidad.

Otra dificultad para los artesanos es la forma de comercializar sus productos, ya que es una característica de la artesanía, que se realiza en talleres individuales o de pocas personas, con poca capacidad para llegar al mercado.

La etimología de la palabra artesanía, significa: arte con las manos. La artesanía comprende, básicamente, obras y trabajos realizados manualmente y con poca o nula intervención de maquinaria, habitualmente son objetos decorativos o de uso común. Al que se dedica a esta actividad se le denomina artesano. Algunos instrumentos como el telar se usan para crear prendas.

El origen de las artes manuales data de hace muchos siglos, no se sabe con exactitud cuánto tiempo. Lo que se sabe es que data de cuando la prehistoria ya que se han encontrado artefactos hechos manualmente sin la intervención previa o completa de algún tipo de instrumento.

Arte y Artesania

Las diferencias fueron subrayándose a finales de la Edad Media y se consolidaron con el Renacimiento, dignificando la actividad y función social del arte con el artista, y subordinando la artesanía junto con el artesano dentro de la visión occidental. Finalmente el verdadero valor de la artesanía varía de acuerdo a la demografía.

 
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Publicado por en septiembre 3, 2011 en Uncategorized

 

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La Gioconda

El cuadro La Gioconda, también conocido como La Mona Lisa, La Monna Lisa, La Joconde, es una obra pictórica de Leonardo Da Vinci. Desde el siglo XVI es propiedad del Estado Francés, y se exhibe en el Museo del Louvre de París.

Su nombre oficial es Gioconda (que, traducido del italiano al castellano es alegre), en honor a la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo, apoyada en el hecho de que era esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo y que su nombre era Lisa Gherardini.

Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, pintado entre 1503 y 1506, y retocado varias veces por el autor. La técnica usada fue el sfumato, procedimiento muy característico de Leonardo. El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado para su preservación óptima. Es revisado constantemente para verificar y prevenir su deterioro.

Además, se han usado herramientas tecnológicas para la investigación de enigmas que rodean la obra. Por medio de estudios históricos se ha determinado que la modelo podría ser una vecina de Leonardo, que podrían conocerse sus descendientes y que la modelo podría haber estado embarazada. Pese a todas las suposiciones, las respuestas en firme a los varios interrogantes en torno a la obra de arte resultan francamente insuficientes, lo cual genera más curiosidad entre los admiradores del cuadro.

La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino también en los misterios que la rodean. Además, el robo que sufrió en 1911, las reproducciones realizadas, las múltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las parodias existentes contribuyen a convertir a La Gioconda en el cuadro más famoso del mundo, visitado por millones de personas anualmente.

Leonardo da Vinci nació en el caserío de Anchiano del municipio de Vinci en Italia. Fue fruto de la relación ilegítima del notario Ser Piero y de su sirvienta, Catarina Vacca. A los 14 años entró en el prestigioso taller del pintor florentino Andrea Verrochio, donde estudió junto a Sandro Botticelli y Perugino. Desarrolló el estudio de las matemáticas, la geometría, la perspectiva y todas las ciencias de la observación del medio natural, las cuales se consideraban indispensables en la época. Como educación complementaria, también estudió arquitectura e ingeniería. Leonardo fue un humanista renacentista, destacado en múltiples disciplinas. Sirvió a personas tan distintas e influyentes como Lorenzo de Médici, al duque de Sforza, a los soberanos de Mantua y al rey Francisco I de Francia.

Entre sus obras más destacadas están La Virgen de las Rocas, La batalla de Anghiari, La última cena, Obra innovadora y La Gioconda.

 
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Publicado por en agosto 30, 2011 en Uncategorized

 

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Wassily Kandinsky

Fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza la abstracción lírica.

Nació en Moscú en 1866, en 1871 su familia se traslada a Odesa. De 1886 a 1889 estudiaba Leyes en Moscú. En 1896 rechaza un puesto docente en la Universidad de Dorpat para estudiar Arte en Múnich.

En 1901 funda el grupo Phalanx, cuyo propósito principal es introducir las vanguardias francesas en el provinciano ambiente muniqués, para lo cual abre una escuela en la que da clases. Sus pinturas de los primeros años del siglo son paisajes ejecutados con espátula, en un principio sombríos, para luego adquirir una intensidad casi fauve; también pinta temas fantásticos basados en tradiciones rusas o en la Edad Media alemana; este período está marcado por la experimentación técnica, en particular, en el uso del temple sobre un papel oscuro, para dar una impresión de superficie transparente, iluminada desde atrás. La consistencia tonal del claroscuro enfatiza el esquema borrando la distinción entre las figuras y el fondo, resultando una composición casi abstracta.

En 1902 expone por primera vez con la Secession de Berlín y realiza sus primeras xilografías. En 1903 y 1904 viaja por Italia, Países Bajos, África y visita Rusia. En 1904 expone en el Salón de Otoño de París.

En 1909 es elegido presidente de la Nueva Asociación de Artistas de Múnich (NKVM). La primera exposición del grupo tiene lugar en la galería Thannhauser de Múnich ese mismo año. Hacia el final de la década, las pinturas de Kandinsky denotan una gran tendencia a la plenitud por la equivalencia en intensidad de las áreas de color y la superficie reluciente que destruye toda ilusión de profundidad. Las series de cuadros de jinetes en combate comienzan en 1909 y, en ellas, la línea del horizonte se va erradicando gradualmente, al igual que otras referencias espaciales.

El desarrollo de Kandinsky hacia la abstracción encuentra su justificación teórica en "Abstracción y empatía" de Wilhelm Worringer, que se había publicado en 1908. Worringer argumenta que la jerarquía de valores al uso, basada en las leyes del Renacimiento, no es válida para considerar el arte de otras culturas; muchos artistas crean desde la realidad pero con un impulso abstracto, que hace que las últimas tendencias del arte se den en sociedades menos materialistas.

Kandinsky, al igual que Piet Mondrian, estaba interesado también en la teosofía, entendida como la verdad fundamental que subyace detrás de doctrinas y rituales en todas las religiones del mundo; la creencia en una realidad esencial oculta tras las apariencias, proporciona una obvia racionalidad al arte abstracto.

 
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Publicado por en agosto 30, 2011 en Uncategorized

 

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Literatura Nova, la red social para escritores

El funcionamiento de la web es muy fácil. No hace falta registrarse para poder leer y votar los textos. Cualquier usuario que entre en la web puede leer online o descargar y compartir los textos que los autores publican. Pero para publicar si es necesario registrarse: un proceso gratuito y muy fácil, en el que no se piden datos personales.

"De todos modos", aclara Trillo, "registrarse no tiene solo la ventaja de poder publicar. Estando registrado la experiencia de la web es mucho más completa". Y es cierto. Estando registrado en Literatura Nova puedes hacer un seguimiento – como en Twitter – de tus autores favoritos, así como ser seguido. Y además puedes comentar los textos y recibir comentarios, puedes enviar y recibir mensajes privados e incluso configurar una librería personal con tus textos favoritos. Por supuesto, todo el contenido se puede compartir por otras redes sociales. "Nos apoyamos mucho, sobre todo, de Facebook y Twitter, nos ayudan a expandir la literatura novel a hogares de todo el mundo y a promocionar a sus autores".

Literatura Nova es una red social orientada a escritores y lectores en castellano. Así que, como es normal, rápidamente se ha expandido a países de todo el mundo, sobre todo en Sudamérica. Cuentan con más de 1.600 usuarios registrados y más de 1.700 publicaciones subidas a la web. En ese aspecto están contentos: reciben bastante atención, teniendo en cuenta en que no han invertido casi nada de dinero, y confían en que irán creciendo poco a poco, con la llegada de gente y recursos. "Contamos con amigos que nos están ayudando mucho a sacar esto adelante, como Araceli Lobo periodista, Iñigo López o Rus Moreno – filólogos -, a los que se lo agradecemos en el alma y que son parte del proyecto, pero siempre hacemos un llamamiento a gente que quiera colaborar con nosotros, especialmente en el tema de la programación y el diseño Web" aclara Trillo.

Tienen muchas ideas en la cabeza, y van trabajando en ellas poco a poco. Han organizado un certamen de relato y poesía que pronto dará a luz su fallo. "Recibimos más textos de los que imaginábamos y esto nos hará retrasarnos un poco" confiesa Aguilera. "Pero pronto conoceremos los textos vencedores y publicaremos un libro con ellos" continúa. "Es algo bonito que nos apetece hacer, y a los autores seguro que les gusta ver sus textos publicados" sentencia Trillo. Por lo demás, tiempo al tiempo. Desconocen las dimensiones que alcanzará Literatura Nova. La idea surgió como un proyecto personal que gustaba por lo bonito. "Desde el comienzo tuvimos visitas y publicaciones nuevas todos los días. Y por ahora sigue así. Para nosotros eso ya es un premio y un éxito total" aseguran ambos.

 
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Publicado por en agosto 30, 2011 en Uncategorized

 

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